Doublage, dubbing, voice over…
Comment ça marche ?
Le doublage (dubbing), en France, est une des composantes de la post-production, indispensable au succès de toute sortie publique d’un film étranger (cinéma, télévision).
Dans la plupart des pays européens, les versions originales (VO) anglophones suffisent à plaire au public, mais en France, si un film n’est pas doublé en VF, il sera réservé à quelques salles seulement, et le public ne le rencontrera pas comme il l’aurait fait avec un bon doublage en français.
Dans la communication, il est plus rare que l’on réalise un doublage, on se tourne généralement davantage vers un « voice over », pour des raisons souvent techniques mais aussi de temps ou de coût. Nous expliquons pourquoi dans la page dédiée à la « Localisation sonore »
Car pour que la magie du doublage opère, il faut qu’il soit bien réalisé ! En effet, c’est à double tranchant : un bon film en VO avec un mauvais doublage peut devenir un mauvais film en VF…
Il est donc important de ne pas considérer le doublage comme une étape négligeable.
En effet, choisir des comédiens sans expérience, dirigés par un mauvais directeur artistique (voire même aucun), et s’appuyant sur une mauvaise traduction / adaptation, c’est avant tout ne pas respecter l’œuvre originale (ni ses auteurs et ses acteurs), mais c’est surtout condamner un film à devenir sans intérêt et à ne pas avoir le succès et l’impact qu’il aurait pu avoir.
Respecter l’œuvre originale, c’est avant tout choisir un chef de projet expérimenté (directeur artistique, directeur de plateau) qui saura faire les bons choix pour restituer une version française au moins aussi bonne (voire même meilleure parfois) que la version originale, c’est notre priorité chez Audio Pigment.
C’est ensuite faire travailler de bons « adaptateurs » (traducteurs / adaptateurs) : c’est l’adaptateur qui va, à partir du texte original, traduire chaque phrase et adapter sa traduction aux mouvements de lèvres et durées de paroles des comédiens originaux à l’écran, pour conserver le sens du texte, tout en l’adaptant aux contraintes visuelles. C’est ce qu’on appelle la synchronisation labiale (Lip Sync).
Le traducteur adaptateur s’appuie sur un relevé des dialogues originaux, réalisé à partir d’une copie du film et du script original. La personne responsable du relevé (qui peut être le traducteur / adaptateur lui même) va repérer sur une bande synchronisée avec l’image chaque début ou fin de phrase, chaque respiration, chaque rire, et surtout chaque labiale prononcée par l’acteur dans la version originale (les b, les m, les p). À chaque labiale de la langue originale, doit correspondre une labiale en français, mais pas obligatoirement la même.
C’est une étape cruciale pour qu’un doublage soit réussi. L’adaptation de la traduction doit impérativement respecter le synchronisme labial, par des choix de structure de phrase, de modification de vocabulaire, et de références culturelles (humour, jeux de mots, citations… parfois impossibles à traduire car inexistantes dans la langue cible), tout en respectant un niveau de langue adapté au personnage à doubler.
Ces choix peuvent se faire en collaboration avec le directeur artistique en charge du projet et la maison de production pour respecter au mieux l’œuvre originale.
Si cette étape n’est pas parfaitement réalisée par des professionnels, le meilleur des comédiens ne pourra pas faire un bon doublage lors de la séance d’enregistrement, et la magie n’opérera pas en ne donnant pas vie à l’acteur à l’écran dans la nouvelle langue. Le personnage est, ou n’est pas crédible !
En parallèle, le chef de projet (directeur artistique, ou directeur de plateau) va sélectionner un casting de comédiens professionnels du doublage, qui prêteront leur voix aux interprètes originaux (l’adaptateur peut parfois aussi être en charge du rôle de directeur de plateau).
C’est en général lui, qui ensuite va diriger les comédiens lors des enregistrements en studio. Le doublage demande une technique particulière qui nécessite de l’expérience, et on ne s’invente pas « comédien de doublage » juste parce qu’on est comédien. Il faut être capable, en une ou deux prises, de comprendre la scène à jouer, les subtilités de jeu à mettre en œuvre, et de les interpréter en parfaite synchronisation avec un texte qui défile à l’écran, tout en y ajoutant les nuances et indications de jeu qui défilent aussi en temps réel. Et de faire tout ça en rythme, et sans dénaturer l’œuvre originale…
La direction artistique, qui oriente le travail des comédiens, s’appuie sur une forte expérience, une capacité d’analyse rapide, et une grande sensibilité. Chez Audio Pigment, c’est ce que nous investissons dans chacun des projets que nos clients nous confient.
En amont des enregistrements, le film est découpé en « boucles ». Une boucle est un court extrait d’une scène du film d’une durée d’environ 15 à 60 secondes. Elles vont séquencer le travail d’enregistrement des comédiens et la planification des journées d’enregistrement, en fonction des acteurs impliqués. Selon le nombre de boucles, la durée du film et le nombre de personnages à doubler, ce travail d’organisation peut être long et très délicat.
Une fois le dialogue traduit par l’adaptateur, il doit ensuite être calligraphié sur la « bande rythmo ». La bande rythmo est un peu la partition que devront interpréter les acteurs de doublage. C’est une pellicule transparente que l’on projette sur un écran en la synchronisant avec l’image.
Elle indique le texte à interpréter, mais également un ensemble de codes visuels, chacun ayant une signification précise : inspirations et expirations par la bouche ou le nez, ouvertures et fermetures de bouche, rires, cris, toux, baisers, etc… Les comédiens de doublage, tout en interprétant leur rôle respectif, devront ponctuer leur jeu en tenant compte de ces indications.
Depuis le début des années 2000, chez Audio Pigment, nous utilisons la bande rythmo numérique, et le travail n’est plus calligraphié mais exécuté à l’aide de logiciels informatiques.
Arrive enfin l’enregistrement en studio avec les comédiens de doublage. C’est une étape cruciale bien sûr, mais dont la réussite dépend en grande partie de la qualité du travail effectué jusqu’ici.
Les acteurs découvrent le script et n’ont généralement pas pu visionner le film. De plus, les scènes ne sont presque jamais enregistrées par ordre chronologique. L’enregistrement d’une boucle se déroule en général ainsi : visionnage de la boucle en version originale, suivi d’une première lecture enregistrée qui servira de référence. Le directeur artistique / directeur de plateau donne alors ses indications aux comédiens, afin de les guider dans les nuances de leur jeu, et de rester au plus proche de l’intention originale. Des modifications au texte peuvent être apportées. On réenregistre la boucle (en tout ou en partie) jusqu’à ce que le directeur de plateau, l’ingénieur de son et les comédiens soient satisfaits.
Après l’enregistrement des voix, suit une étape de recalage. L’ingénieur du son peut, avec les techniques actuelles, contribuer à améliorer le synchronisme. On va dans le détail, on fait un peu de « nettoyage », on ajuste la synchro. La finalité est de fournir au responsable du mixage la meilleure bande-son possible pour ce qui constituera l’étape finale…
… L’étape du mixage.
En plus de sa dimension artistique, le « mix » doit respecter des contraintes techniques et des normes de diffusion très précises. Chaque piste de dialogue est traitée et calibrée pour être incorporée dans la bande-son internationale (« V.i. ») qui contient la musique et les effets sonores. On appelle communément cette bande « M & E » pour « Music and Effects ». L’ingénieur du son en charge du mixage se servira de la version originale comme référence sonore, et devra ajuster les volumes, les placements dans l’espace panoramique si besoin (stéréo ou « multi-canal »), les égalisations de fréquences, etc…
Il devra aussi recréer des réverbérations naturelles ou effets acoustiques pour donner l’impression que les voix enregistrées en studio (dans un environnement acoustique neutre) proviennent du lieu où se déroule la scène à l’écran : à la bonne distance, dans le bon espace acoustique, et que chaque voix soit cohérente avec une « fausse réalité » crédible, pour donner l’illusion sonore que le doublage n’existe pas.
Si chaque étape de ce rigoureux travail est bien réalisée, le doublage doit se faire oublier et restituer l’œuvre originale comme si c’était la langue initiale.
